lunes, 15 de abril de 2013

La ilustración de modas
aplicada a la publicidad gráfica


Historia de la ilustración de moda

Capítulo I




1.1                    Historia

La visión que se intentaba trasmitir no era otra que no fuera la imagen representativa de esa época, lo que los ilustradores lograban plasmar era la elegancia con la que se vivía  y se vestía meramente la clase alta de aquel tiempo, no obstante los fondos y escenarios utilizados para estas representaciones eran sobrios y armoniosos.

<<El trabajo del artista de moda consiste en explicar la historia del vestido>>




1.1.1   1900 – 1924



Iniciando el año 1900 se hacen notar los estilos del siglo pasado, los ilustradores no aportan algo nuevo, si no que toman lo ya hecho sin una visión a futuro, esta tendencia tenía como base la estética sinuosa de el art nouveau concebido en la década de 1890, durante este tiempo no se mostro señal de modernidad alguna. La vestimenta dictaba las clases sociales mientras que el gasto desmesurado en moda mostraba la cultura del consumismo asociada a la belle époque.

Durante el último cuarto del siglo XIX, la ilustración de moda detallada, permitía realizar a modistas caseras y profesionales, los últimos diseños, mientras que en las revistas dirigidas a este rubro, podías encontrar un juego de patrones, Butterick que contaba ya con sucursales en Londres, París y Nueva York, realizaba publicaciones con variedad de patrones las cuales eran entregas a domicilio.

Durante los inicios del siglo XX la ilustración y la moda se encontraban en un punto en el cual estéticamente hablando era deplorable. Los ilustradores que pertenecían a revistas americanas como Vogue (1892), Harper´s Bazar (1867), y la británica The Queen (1861), se mantuvieron fieles al mantener la ilustración de prendas al mínimo detalle, aunque el trabajo de Adolf Sandoz y Charles Drivon eran la excepción.  Con la aparición de Charles Dana Gibon y su ilustración <<Chica de Gibson>> marca la pauta icónica para la moda en la mujer joven y moderna.

Aparecen las impresiones a color a finales del siglo XIX, por este motivo las ilustraciones tradicionales fueron sustituidas, además la fotografía comienza a hacer acto de presencia en las revistas. Durante la preguerra aparece un diseñador de moda innovador de nombre Paul Poiret, este logra que la moda llegue al término de arte, aportando dinamismo y convirtiéndolo en una fuerza importante para el siglo XX, durante los primeros años de este siglo, la utilización de moda, arte y diseño bajo un mismo concepto tomo la fuerza suficiente trayendo consigo a León Baks que con su vestuario para la obra Cleopatra del Ballet Ruso de Serge Diáguilev, cambio la paleta de colores que hasta ese momento se había utilizado, dejando a un lado los colores pasteles para dar paso a colores brillantes acompañados con plata y oro, dejando ver la influencia oriental que los precedía, el estilo que marco este estilo fue una silueta funcional de forma tubular llamada directoire.

El mayor éxito de Poiret fue al combinar la moda y el arte contratando artistas jóvenes, un ejemplo de ello fue Raoul Dufy quien tuvo la tarea de crear telas estampadas para el taller, otro de los artistas fue Paul Iribe quien en 1908 ilustro la publicación promocional de Les Robes de Paul Poiret, en la cual trabajo con algunas figuras de medio perfil o de espaldas utilizando fondos monocromos dando así paso a nuevos caminos en la ilustración. Georges Lepape se encargo de la segunda edición de nombre Les Choeses de Paul Poiret en 1911, para la impresión de estos dos folletos se utiliza la técnica pochoir. En 1921 nace la revista  Gazette du bon ton fundada en París por Lucien Vogel, este contrató a un grupo de artistas de los cuales algunos se habían formado en la École des Beaux Arts, dándoles libertad de interpretación en lo que a moda se refiere, tenia textos ingeniosos e ilustraciones con bas-de-page y grabados  pochoir  con hasta 10 colores, croquis y bocetos diseños, se editaron 69 números de entre 1912 y 1914 y entre 1920 y 1925. En 1915 en Francia y Estados Unidos en colaboración con Condé Nast (Vogue) se publica una edición especial, esta casa editora ya trabajaba en el reclutamiento de ilustradores para sus propias publicaciones. Alrededor de 1916 y 1939, Georges Lepape creó más de cien portadas para Vogue. En 1922, los ilustradores que figuraban en Condé Nast en Nueva York eran Helen Dryden, George Plank y Carl Erickson (Eric), su obra aparece por primera vez en la Gazette.

A raíz de la guerra la moda apenas sufrió estragos pero provocaron trastornos irremediables en cuanto a producción y distribución se refería, esto trajo como consecuencia un estilo más práctico y libre de vestir. A partir de 1918 los viejos rangos sociales se habían derrumbado y la moda tomo un sentido democrático. En 1916  lanza su primer colección quien impulso el estilo de la mujer moderna Gabrielle <Coco> Chanel quien en los años 1920 y 1930 se convirtió en la diseñadora más influyente, con esto dio paso a un estilo practico llamado garconne. Los sastres americanos se posicionan a la cabeza dentro de la moda informal, en 1920 las mujeres optan por un estilo sencillo dando énfasis a un estilo andrógino juvenil. En este punto la industria cosmetiquera da un salto hacia un ambiente más prospero logrando así publicar sus productos en las revistas anunciados por actrices y estrellas de cine.

1.1.2   1925 – 1949

En 1925  Paul Poiret exhibió su colección en des Arts Décoratifs, a esta exhibición la revista Gazette du bon ton dio su opinión <<el producto de un hombre que se deleita con lo inesperado produciendo diseños que pocas personas pueden lucir>>, después de este fallo, la economía no tardo en afecta a la su casa de diseño la cual cerró en 1929, murió en el olvido y la pobreza.

En 1926 Chanel lanza al mercado su definitivo “vestido negro” que la edición americana de la revista Vogue apunto como <<el Ford de Chanel, el vestido que todas las mujeres llevarían>>, siguió creando prendas practicas, elegantes y fáciles de llevar. Jean Patou aparece con su boutique Au Coin du Sport, la cual fue la pionera en la rama de ropa deportiva cuya imagen era su clienta Suzanne Lenglen, quien era tenista, logrando establecer una peculiar elegancia.

A lo largo de la historia siempre existen antagonistas y Chanel no logra librarse a esta regla, Elsa Schiaparelli fue su gran rival al lanzar su primer diseño de un suéter negro ajustado con un lazo trompe l´oeil, este descubierto por un comprador americano. Durante 1927 logra abrir su boutique en París de nombre Pour Le Spor, en la cual además de vender sus clásicos suéteres, vendía ropa deportiva con novedosos diseños de los cuales algunos fueron producidos por artistas surrealistas como Salvador Dalí, Jean Cocteau y Christian Bérard, así sus diseños influenciados por esta corriente artística logro convertir objetos cotidianos en piezas de alta moda como botones – piruleta, hebillas de cinturón con forma de candado, bolsos- globo, etc. A partir de 1930 logra tener gran éxito siguiendo su filosofía <<la ropa debe ser arquitectónica; no hay que olvidar nunca él cuerpo y hay que utilizarlo como se utiliza una estructura en la construcción>>, logrando así dar paso a la silueta moderna con trajes de cintura muy marcada y hombros cuadrados. Durante los inicios de la década de los
años 20´s, aparece Madeleine Vionnet, sus diseños también son comparados con la arquitectura, gracias a ella aparece el corte al bies el cual es denominado pulcro, elegante e implacable, desaparecen los vestidos tubulares y la feminidad de nuevo se pone de moda

Para la ilustración de moda la década de 1920 a 1930 fue marcada como <<la edad de oro>>. A raíz de la revista Gazette du bon ton de Vogel, la casa editorial Condé Nast comenzó a reclutar ilustradores para realizar trabajos en las páginas interiores de Vogue, después de la primera guerra mundial, al grupo inicial de ilustradores se les unieron ilustradores europeos, entre los que destacan Eduardo Benito, Charles Martin, Pierre Brissaus, André Marty y Mario Simon, el concepto que la revista Vogue manejaba hacia sus lectoras consistía en manifestar la moda lo más reveladora y puntualizada posible, en la década de los 1930, se estableció un nuevo valor en la ilustración de moda “realismo” apareciendo así trabajos de este estilo en la época de la entreguerras, iniciando esta década, la fotografía toma fuerza sobre la ilustración al aparecer la primer fotografía a color en una portada por Edward Steichen quien retrataba a una mujer en traje de baño (1932), esto trajo como consecuencia una venta mayor a las revistas con portadas ilustradas, así la ilustración fue confinada a las páginas interiores, mientras la alta costura parisina continuaba con Chanel encabezándola, seguida de Schiaparelli y Vionnet, la industria estadounidense avanzaba con Hattie Carnegie y Claire McCardell logrando ser emblemas de el look americano encontrando una nueva rama en el mercado, con la aparición de Hollywood y sus estrellas glamurosas, la alta costura parisina pasaba de moda rápidamente, además la industria rusa empezaba a tomar fuerzas durante este tiempo.

Al estallar la segunda guerra mundial, se manifiesta un sinnúmero de escases de diversos artículos y se trata de mantener un nivel de elegancia a pesar del racionamiento de ropa, y para quien sabia utilizar una máquina de coser era de gran importancia a raíz de esto nace el  Utility Clothing Scheme este programa constaba de una variedad de prendas practicas y económicas y en 1942 se anuncia la primer orden de restricción de ropa civil, a esto mandaron llamar a diseñadores británicos para hacer constar  que las prendas del Utility no debían de estar exentas de modernidad.

En junio 1940 aparece Lucien Lelong presidente de la Chambre Syndicale de la Haute Couture, como salvador de la alta costura cuando el ejército nazi ocupa París reduciéndose así el número de casas de moda.

En 1950 la alta costura parisina vuelve a tomar nueva fuerza encabezada por la nueva generación de diseñadores de la posguerra Jacques Fath, Cristóbal Balenciag, Pierre Balmain y Christian Dior, este último en con su colección New Look (1947), este concepto fue marcado por el estilo retrogrado que presentaba representando viejos tiempos más alegres y optimistas, con esto logro dar ese nuevo impulso que la industria de la moda en París necesitaba para su recuperación; su trayectoria como diseñador para Robert Piguet y Lucien Lelong hace que logre abrir su propia casa de alta costura apoyado por Marcel Boussac (Cotton Industry Board).                

1.1.3   1950 – 1974

Para este tiempo Dior se había adueñado del cuadro principal en la alta costura con el sustento de editores americanos y de almacenes de renombre, después de el boom para la moda de Dior salen a la luz diseños con base en formas arquitectónicas y geométricas realizadas por Yves Saint Laurent, para 1962, este abre su propia casa de diseño, por su estilo único durante esa época John Fairchild de Women´s Wear Daily lo cataloga como <<el primer modisto moderno>>.
En 1955, diseñando vestuarios divertidos y coloridos aparece Mary Quant con su primera boutique en Londres.

La mercantilización desmesurada de la moda, aburrió a los innovadores de tendencias abriendo paso a nuevos estilos llenos acogida por la nueva aristocracia pop. Con la llegada de las drogas psicodélicas, se abre campo a un nueva estética llena de colores arremolinados, utilizando el estilo vintage e influenciado por lo étnico. A partir de 1960 aparece el Black Power y las rebeliones estudiantiles contra la guerra aumentaron, mientras tanto en el distrito de Haight-Ashbury, en San Francisco se volvió la capital del Flower Power, en sus boutiques se veía todo lo necesario relacionado a esta nueva tendencia, cuantas, campanas, camisetas teñidas, pantalones acampanados, entre otros al a par de esta  en otras boutiques como Paraphernalia en ella se mostraban innovadores diseños de jóvenes creadores americanos y británicos, en los cuales se apreciaba mucha lentejuela, vestidos de papel y prendas << de usar y tirar>>.

En este año la ilustración de moda continuaba decayendo siendo utilizada para la solamente para la publicidad de ropa interior o accesorios, haciendo breves apariciones en portadas y editoriales de artistas como René Bouché, Alfredo Bouret, Tod Draz, Tom Keogh y en Inglaterra, Erick Stemp, John Ward y Audrey Lewis. Fallese Eric (Carl Erickson) en 1958 y Bouché en 1963 últimos representantes de la vieja escuela de ilustradores con la particularidad de René Gruau quien siguió mostrando trabajos extraordinarios en las campañas para los perfumes de Cristian Dior siendo las más destacadas de su tiempo.

Directores de arte de publicaciones como Nova y la mejorada Queen invirtieron sus recursos en fotógrafos estos junto a las modelos se transformaron en las nuevas celebridades del medio resaltando David Bailey y Jean Shrimpton  como Twiggy y Justin de Villeneuve. En tanto la moda jipi apareció en fotografía utilizando paisajes exóticos de lugares lejanos.

<<La ironía estaba en que gran parte de la estética del movimiento jipi se transmitió a través del diseño gráfico>> este volvió a tomar fuerza gracias a los carteles pop, a tiendas undergroun como Oz y al diseño de tiendas.
1961 aparece Honey quien fuera la primera revista en donde aparecieron modelos negras, entre 1964 y 1968 aparecen las revistas Jackie, Petticoat y 19, están recurrieron a la ilustración ya que a diferencia de la fotografía era un medio económico.
Entre 1960 y 1970 revistas especializadas como L´Officiel de la mode et du couture, International Textiles y Sir utilizaron algunos de los mejores ilustradores de esa época de los cuales los de más renombre eran Gruau, Constance Wibaut y Tod Draz. Para 1960 la revista neoyorkina  Women´s Wear Daily, encabezada por John Fairchild, contrata a un grupo de ilustradores para que absorbieran el look y ambiente que se vivía en ese instante otorgando a la industria textil americana toda la información de actualidad, el puerto riqueño Antonio López  dio vuelo a su carrera dentro de esta revista, estudiado en Fashion Institute of Technology de Nueva York, poseía la habilidad nata de cambiar su estilo conforme los tiempos, después de la era del pop art en 1970,  fácilmente se adapto al estilo jipi psicodélico hasta llegar al estilo nostálgico del art déco, en su trabajo se logra percibir una energía e ímpetu que no se ha podido igualar dentro del ámbito de la ilustración de moda.

A raíz de la recesión mundial, se recae en ese sentimiento nostálgico por aquel <<pasado rural utópico>> lleno del estilo victoriano y estampados florales. En esta misma época aparece el glam rock un estilo de aire más duro y futurista, trajes andróginos y colores brillantes eran su distintivo junto a iconos  como David Bowie y Marc Bolan. 

En 1950 aparece el estilo callejero, dando así un giro a la industria de la moda, la subversión fue el punto clave para los marcadores de tendencia, estar siempre un paso delante de la moda comercial, llegados a la segunda mitad de la década, aparece el estilo underground establecido bajo la estética del escándalo.
  
1.1.4        1975 – Actualidad
Su principal característica es el fracaso total de la industria tradicional de la alta costura debido a la respuesta desmesurada por parte la industria de fabricación en masa, su predominio llega a su fin al aparecer el punk, nacido del underground  londinense a mediados de 1970, contraria a la ideología de los jipis, ya que esta corriente surge en un período de desempleo y estancamiento económico, siendo la música un factor inseparable. En el pasar de los 70´s Vivienne Westwood indaga y mezcla  conceptos adaptándo el estilo new romantic a sus diseños.

En 1980 la influencia oriental se hiso notar aportando un minimalismo cultural junto a motivos textiles tradicionales bajo la mirada de diseñadores como Kenzo Takada, Kansai Yamamoto e Issey Miyake, para 1990 el tema de la decadencia y destrucción, peligro y ansiedad es utilizada para los diseños de esa época.

A partir de la segunda mitad del siglo XX la ilustración de moda trata de subsistir y el 1980 vuelve a renacer junto a una nueva generación de ilustradores dando salida a su talento en revistas como La Mode en Peinture (1982), Vanity (1981) y Visionaire (1991). El reintegro de la ilustración se debe a Jean – Philippe Delhomme con su trabajo de ilustraciones levente humorísticas junto a textos sutiles. No obstante y pese a la falta de la ilustración como asignatura en facultades de moda y arte, muchos egresados elegían ilustración como su carrera.  Aunque la ilustración era meramente referida para el diseño gráfico, escuelas como St. Martin´s al abrir sus cursos de moda, dio prioridad al dibujo, esta institución ha logrado producir ilustradores de moda de alta calidad tales como Gladys Perint, Shari Peacock, Jason Brooks, Julie Verhoeven, entre otros, estos últimos han hecho uso del ordenados para lograr sus trabajos. Se da pie a ilustraciones basadas en el estilo de vida ya que como es algo cotidiano se ha vuelto inseparable de la moda.

La unión entre la ilustración tradicional y los programas como lo son photoshop e ilustrador dieron muy buenos resultados lanzando trabajos de calidad revitalizando los métodos tradicionales establecidos durante el pasar de los años. La ilustración manual, sigue gozando de una grata recuperación que llego junto con el cambio de milenio y los ilustradores de moda regresan a sus raíces con el fin de obtener la inspiración necesaria.

Al final la ilustración de moda junto a sus técnicas tradicionales  van de la mano de los procesos actuales, la fotografía se ha posicionado a la cabeza de la moda durante la mitad del siglo deja de lado la ropa y fija la mira  en conceptos como son la fama y el glamour, en otro concepto como la obsesión  pos modernista en la cual a duras penas se aprecia la ropa en detalle. La función de una imagen gráfica dibujada logra su cometido al llegar al espectador sea el medio en el que este se represente.



1.2                     Iconos de la ilustración en el tiempo

Ø  Wenceslaus Hollar
Grabador nacido en Praga, sus primeras piezas aparecen en el año 1625 y 1626, la cuales fueron platos pequeños, en uno de ellos aparece la copia de la “Virgen con el Niño” de Durero. Trabajo como dibujante para el Conde Arudel viajando así a Viena y Praga, regresando a Inglaterra en 1637. A partir de 1650 su principal trabajo fueron los autores y editoriales siendo estos su medio de distribución principal. Durante la Guerra Civil Inglesa, siguió produciendo obras, en este periodo en Amberes realiza algunos de sus trabajos más relevante, para 1652 a Londres, más adelante se publicaron libros ilustrados por el cómo son Ogilby´s Virgilio y Homero, Stapylton´s Juvenal y Dugdale´s Warwickshire. Muere en marzo de 1677 en la pobreza extrema.

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